Gnawa


Gnawa o Gnaoua es el nombre que reciben en Marruecos y otros lugares del Magreb (países musulmanes del norte de África), los miembros de una serie de cofradías místicas musulmanas caracterizadas por su origen y por el uso de cantos, danzas y rituales sincréticos como medios para llegar al trance. La palabra Gnawa es plural y su singular es Gnawi. El término se refiere también al estilo musical de reminiscencias sub-saharianas practicado por estas cofradías o por músicos que se inspiran en ellas. Es uno de los géneros principales del folklore de Marruecos. Habitualmente se piensa que la palabra Gnawi procede de la palabra Guinea, por ser ésta región de África el lugar de procedencia de los primeros Gnawa. En realidad ambos términos proceden de Ignaw, que en la lengua hablada en la región del Sus, en el sur de Marruecos, significa “mudo”. Los bereberes del Sus se referían de éste modo a los esclavos negros a causa de que hablaban idiomas incomprensibles para ellos. El término pasó a la lengua árabe coloquial del Magreb como modo de designar a los negros en general, y también se utilizó para referirse a la región de la que procedían los esclavos que llegaban a Marruecos. Los Gnawa son descendientes de los esclavos negros que los gobernantes árabes y bereberes de los actuales Marruecos y Argelia, especialmente el primero, capturaron en diferentes regiones del África occidental, destinándolos a ser parte de sus ejércitos y para la construcción de ciudades y fortalezas. Una leyenda atribuye al sultán Ahmed Ad-Dahbi, la captura y traslado a Marruecos de los primeros Gnawa tras la conquista del imperio Shangai en 1591, pero lo cierto es que el tráfico de esclavos existía desde hacía siglos. Los Gnawa tienen antepasados de procedencia diversa como lo demuestra su vocabulario que conservan en sus canciones. Con el tiempo los esclavos se convirtieron al Islam pero mantuvieron algunas de sus creencias y rituales, en particular los ritos de trance y posesión, algo similar a los cultos afroamericanos como el candomblé, la santería o el vudú. Los Gnawa son arabo hablantes, en países en los que coexiste el árabe con varias lenguas bereberes. Según los propios Gnawa, hasta hace unas décadas todavía existía entre ellos quienes eran capaces de hablar la lengua de sus antepasados esclavos. Sus canciones contienen gran número de vocablos y expresiones no árabes, que han sido identificadas por los estudiosos como pertenecientes a diferentes lenguas africanas y hacen referencia a las etnias o lugares de origen de esos primeros esclavos. La palabra Bambara, que a veces se usa para designar la lengua de sus antepasados, da nombre también a un tipo de canto en particular. Los Gnawa practican el trance hipnótico por medio de su música y unos bailes que evocan a los santos protectores, a los que se les atribuye poder para expulsar a los demonios y curar determinadas enfermedades. En Marruecos se piensa que los Gnawa son especialistas en sanar las picaduras de escorpión y los desórdenes mentales gracias a esa intercesión. En Marruecos el ritual de posesión es conocido como Lila, mientras que en Argelia, como Diwan. Los instrumentos musicales que utilizan son el Gembri o Sintir, un instrumento de tres cuerdas y sonido de bajo; el Tbel o tambor, que se toca con la ayuda de un palo corvo, y las Qraqeb, unas características castañuelas de metal. La música es muy rítmica y se caracteriza por un canto dialogado en el que una voz principal realiza invocaciones y es respondida por el coro, sobre una melodía sencilla acompañada por palmas. Los bailes son también muy rítmicos. Los participantes suelen mover la cabeza describiendo círculos, movimiento que se contagia al resto del cuerpo, dando entonces vueltas sobre sí mismos al tiempo que se ponen en cuclillas y siguen girando. De éste modo consiguen entrar en trance. La música Gnawa se ha internacionalizado gracias a músicos occidentales como Bill Laswell, Adam Rudolph o Randy Weston, que la han incluido en sus composiciones. Como producto de ese interés exterior, la producción musical Gnawa se ha incrementado en la última década del Siglo XX, son fusiones destinadas a un público más amplio y lejos de lo místico-religioso, con Hassan Hakmoun como el más destacado músico Gnawa en Marruecos, o el grupo Gnawa Difussion en Francia.

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Jazz

El Jazz es ante todo improvisación, vida, expresividad, evolución constante. Hablar de Jazz como música afro americana sería simplificar demasiado las cosas ya que es una forma de expresión espontánea. Es libertad, canto de protesta y de marginación. La primera grabación de Jazz se efectuó en 1917, pero la música existía, por lo menos en su estado primitivo, desde hacía 20 años. Influenciado por la música clásica, marchas, Spirituals, Work Songs, Ragtime y Blues y la música popular de la época, el Jazz ya era una forma de música cuando comenzó su documentación. Es probable que inicialmente fuera interpretado por músicos sin formación que tocaban en bandas, desfiles, funerales y bailes de Nueva Orleáns. Es posible pensar que los músicos no tocaban de manera continua las melodías, sino que le agregaban variaciones para mantenerlas interesantes. Buddy Bolden, el primer músico famoso en ser considerado jazzista, formó su banda en 1895, se podría considerar a esta fecha como una simbólica del nacimiento del Jazz. Durante las dos décadas siguientes no existe documentación, si bien se sabe que progresó a pasos lentos. Freddie Keppard sucedió a Bolden como el cornetista de más prestigio, pero fue rápidamente superado por King Oliver. Aunque algunos músicos de Nueva Orleáns viajaron al norte, el Jazz no salió de su lugar de origen hasta la Primera Guerra Mundial. En enero de 1917 un grupo de músicos blancos llamados, sin modestia The Original Dixieland Jazz Band, grabaron un par de temas que no se publicaron. Dos meses después grabaron dos nuevas canciones que tuvieron gran éxito y así el Jazz se convirtió en moda. Pasaron muchos años antes de que se hicieran grabaciones con músicos negros. El año 1932 fue muy importante ya que ese año hizo su grabación debut la King Olivier’s Creóle Band que incluía en corneta a Louis Amstrong y en clarinete a Johnny Dodds. La movilización de los negros del sur de EEUU buscando mejores condiciones económicas también contribuyó a que los músicos de Nueva Orleáns salieran hacia otras ciudades del norte y del este. A principios de los años 20 Chicago se convirtió en el centro del Jazz. Cuando Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en Nueva York en 1924, descubrió que los músicos neoyorkinos, aunque técnicamente superiores, tocaban sin la emoción de los sureños. Armstrongn, con sus solos dramáticos y explosivos tuvo una gran influencia al cambiar la manera de frasear solos, abriendo así nuevos caminos de improvisación, lo cual ayudó a la creación del Swing. Durante la segunda mitad de la década del 20 las orquestas con mayor número de músicos y con base en el jazz se hicieron populares y la improvisación colectiva que distinguía el estilo Dixieland se encontró fuera de moda y restringida a pequeños grupos. En 1935 repentinamente se hizo famoso Benny Goodman y una nueva generación demostró que lo que le interesaba era hacer lo que fuera para ignorar la Depresión y pasarla bien bailando con orquestas de Swing. El período de 1935 a 1946 se lo conoce como la era de las Big Bands. También en la misma década Glenn Miller y Artie Shaw vendieron millones de discos y Benny Goodman, Count Basie y Duke Ellington eran nombres reconocidos por el público en general. Lamentablemente esta era de oro de popularidad no duró mucho. Como consecuencia de la evolución continua del Jazz, fue inevitable que avanzara más rápidamente que las preferencias del público. A principios de los 40 muchos de los jóvenes músicos quisieron ir más allá del Swing y desarrollar sus propios conceptos. El saxofonista Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie fueron los fundadores principales de un nuevo estilo llamado Bebop o Bop. Una de las características del Bebop era introducir el tema rápidamente para luego iniciar las improvisaciones. Una huelga de grabación entre los años 1942 y 1944, un impuesto prohibitivo a los espectáculos que provocó el cierre de muchos salones de baile, y la creciente acogida del público a los cantantes populares, condenaron a las Big Bands a su extinción. Al mismo tiempo, la eliminación de las pistas de baile en muchos clubes nocturnos convirtió al Jazz en una música estrictamente para ser escuchada. Al ser elevado a nivel de música de arte, el Jazz se aisló del mundo de la música popular y su público disminuyó drásticamente. Sin embargo la decaída comercial no frenó su crecimiento artístico. En los 50 surgió el Cool Jazz, originario de la costa Oeste, daba más énfasis a tonos y arreglos más suaves; y el Hard Bop que incorporó elementos del Soul descartados por los creadores y seguidores del Bebop. Pero con el surgimiento de la Avant Garde o Free Jazz, la música improvisada experimentó el mayor salto, abandonado a aún más seguidores. A mitad de los 60 el Free Jazz estaba lleno de improvisaciones de mucha energía por medio de las cuales se exploraba tanto el sonido como las notas. La década del 70 se reconoce como la era de la fusión, cuando muchos de los jazzistas integraron aspectos del Rock, Rhythm & Blues y Pop con su propia música, recibiendo el inexacto nombre de Jazz Contemporáneo o Acid Jazz. Casi todos los estilos de Jazz siguen activos hoy en día incluyendo al Dixieland, Jazz clásico, grupos de Swing, Bop, Hard Bop, Post-Bop, Avant Garde y varias formas de fusión. La historia del Jazz en Argentina comenzó en 1925 cuando las orquestas de tango empezaron a dedicar parte de su repertorio a esta música, como Francisco Canaro y Roberto Firpo entre otros. En 1930 el Jazz había adquirido popularidad y aparecieron los programas radiales Síncopa y ritmo y Jazz al día. Las mejores orquestas argentinas fueron Santa Paula Serenaders, Rene Cóspito, Eduardo Armani, Los Dixie’s Pal y The Blackbirds, entre otras. El Jazz ha pasado a ser una música internacional aunque su evolución se ha hecho más lenta durante los últimos 20 años. Hoy no es evidente la dirección en que irá el Jazz en el futuro pero podemos apostar que mientras existan grabaciones, junto con la necesidad de autoexpresión, el Jazz sobrevivirá.

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New Age

La música New Age es un estilo musical vagamente definido que generalmente es melódicamente suave, a menudo instrumental o con voces etéreas y suele incorporar grabaciones tomadas de la naturaleza. Es una música meditativa, generalmente de tiempo lento, muchas veces relacionada con las creencias de la Nueva Era, que invita al oyente a sumergirse en un sentimiento de armonía, paz interior, amor a la vida, a Gaia o para redescubrirse uno mismo como parte integrante del universo. La música New Age en sus orígenes estuvo fuertemente relacionada con la Nueva Era, por lo que su contenido ha sido constantemente asociado con cuestiones místicas claramente presentes en el movimiento. Empezó a ser popular en la década del 60 en la subcultura hippie. Actualmente se relaciona más con la relajación y mucha gente la escucha sin importar sus creencias. El término New Age lo estableció la revista Bilboard. Se dice que esta música llego a ser popular debido a que se cree que expresa un estilo de vida espiritual, sin las limitaciones de las religiones organizadas. Los compositores a menudo utilizan instrumentos tradicionales, o versiones sintetizadas de ellos, con poca relación al contexto musical de su origen. Para muchos críticos y etnomusicólogos lo peor de este estilo es su insípida homogenización de instrumentos y material musical apropiados de sus cultores originales. La New Age esta emparentada de cerca con grabaciones realizadas hace muchos años. En 1968 Paul Horn grabó el que hoy se considera el precursor directo de este sonido: Inside The Taj Mahal, improvisaciones de flauta realizadas en el interior del templo hindú. De 1968 a 1973 músicos alemanes como Holger Czukay, Popol Vuh y Tangerine Dream sacaron varios trabajos con sonidos experimentales y texturas construidas con instrumentos acústicos, eléctricos y electrónicos. Su música, referida como “cósmica”, puede ser considerada como Música Ambiente o New Age dependiendo del punto de vista. Luego Brian Eno definió el estilo y los patrones de la Música Ambiental que podía relacionarse con otros estilos a finales de los 70. Definir ciertos grupos o álbumes como Música New Age puede resultar controvertido entre sus aficionados debido a que los límites de este género musical no están bien definidos. También debido a que algunos artistas expresan su afiliación en creencias New Age y muchos otros declaran específicamente no formar parte de dicho movimiento y rechazan que se catalogue su trabajo como Música New Age. Las características principales de este estilo pueden ser:
– Ser poco comercial, en el sentido de no ser música sencilla o pegadiza destinada a vender un gran numero de copias, lo que no impidió que haya artistas que obtuvieron superventas;
– Suele ser instrumental, aunque no necesariamente;
– Tiene un fuerte componente vanguardista e innovador;
– Abarca una infinidad de estilos que van desde los que se acercan al Pop o al Rock, hasta los ritmos étnicos;
– En mucha ocasiones utilizan melodías suaves y poco estridentes pero no en todos los casos.
La música New Age se puede clasificar en múltiples familias. Una de las muchas clasificaciones posibles es la de “World Music”, compuesta por músicas étnicas ya sea en estado puro o mezclados con otros estilos. Otra clasificación es el Folk, que incluye a músicas tradicionales de Occidente tamizadas con estilos actuales cono el caso de los grupos de música celta. Otra variante es la Electrónica, creada con computadoras o sintetizadores. La Progresiva es la música que evolucionó del Rock Sinfónico o de los compositores clásicos mas recientes, lo que la convierte en el equivalente a la música clásica de hoy en día. El Jazz-Fusión es la mezcla de Jazz con otros estilos como el Rock, Pop o la música étnica. La Música Vocal es cualquiera de las acepciones anteriores cuando deja de ser instrumental y pasa a incluir la voz humana como un elemento más. Existen tres grupos de discográficas que difunden esta música. En primer lugar Windham Hill y Private Music en EEUU; y Coda Landscape y Colors en Inglaterra como independientes establecidas; las multinacionales y las pequeñas compañías. De todo este aparente caos de estilos y movimientos surgirá con el tiempo algo más fiable, pero esto será ya en otra era.

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Vallenato

Una de las tantas maravillas de Colombia es su diversidad en muchos aspectos, entre ellos el cultural. Cuando un extranjero llega a ese país se sorprende por la diferencia que hay entre la gente de la costa y la de Bogotá, los paisas y los vallunos, etc. La música colombiana no es la excepción a esa diversidad. En Cartagena nos encontramos ritmos tropicales como la Salsa y la Champeta; en Barranquilla Cumbiambas, Tamboras y Merengues; llegando a Santa Marta empezamos a encontrar la música Vallenata. En Vaíledupar, la palabra Vallenato es el único sinónimo de música y ahí pareciera que el acordeón, la caja y la guacharaca fueran los únicos instrumentos existentes en el mundo. Los tres instrumentos típicos del Vallenato, es la imagen del mestizaje del cual los colombianos son producto: el acordeón de origen europeo, la guacharaca como instrumento propio de los aborígenes y la caja de descendencia africana. Así mismo, las letras son una mezcla de las décimas españolas, los gritos africanos representados en coro y lamentos Encontramos así una música colombiana fiel representante de su cultura y exitosa a nivel internacional. Es imposible atribuirle una sola cuna al origen del Vallenato. La extensión de la gaita por las provincias abrió las puertas a la incorporación del acordeón al conjunto instrumental Vallenato a finales del siglo XIX. El proceso tomó de tres a cuatro décadas pues el acordeón comenzó solo su carrera por la comarca. En las postrimerías de los años 20 ya hacía tiempo que el acordeón se acompañaba de la caja y la guacharaca. La unión entre los tres instrumentos fue un efecto social y popular. Esto se produjo en reuniones de gente humilde como parrandas, cumbiambas y fiestas. El Vallenato surgió de abajo y tardó más de medio siglo en adquirir rango social. Uno de los escenarios donde empezó a codearse con la música de la burguesía fue el de las colitas, que es el nombre que recibían el final de las fiestas de la gente en las que los patrones las remataban junto a la servidumbre a punta de acordeón, guacharaca y caja. Las colitas no ayudaron a formar el Vallenato sino a divulgarlo. La música Vallenata empezó a darse a conocer fuera de su zona de origen entre los años 20 y 30, los trabajadores acudían al departamento de Magdalena de todas partes de Colombia y del Caribe, corno los negros jamaiquinos o “yumecas”. Estos trabajadores escucharon esta música y la llevaron a sus lugares de origen. Uno de los focos de la música fueron los prostíbulos, conocidos como “Academias de baile”. Hubo otro movimiento migratorio que abrió las puertas de los altos salones de Bogotá al Vallenato. Ocurrió en los años 50 cuando jóvenes de las provincias pertenecientes a familias ricas, viajaron a estudiar a la capital y llevaron su música que cautivó a sus condiscípulos de la alta sociedad bogotana. Los aires vallenatos: El Vallenato es la representación resumida de una gran cantidad de ritmos costeños y caribeños, y que en la actualidad está dividido en cuatro aires o ritmos: la Puya, el Merengue, el Son y el Paseo. La Puya fue el primer ritmo que el acordeón, la caja y la guacharaca interpretaron juntos. La diferencia de esa Puya con la actual es que esa era solo musical y en cambio la actual incluye letra. En la Puya vallenata el canto es un aporte negroide. Cuando los indios bajaban de la sierra se encontraban con los negros que acompañaban sus cantos solamente con tamboras. Con el pasar del tiempo, la Puya aborigen y los cantos negroides se fusionaron para formar la actual Puya vallenata. Actualmente este ritmo es el menos popular de los aires porque es demasiado rápido para ser comercializado y sus letras tampoco se prestan para ello. El Merengue: este aire es el más polémico en cuanto a sus orígenes se refiere. Muchos afirman que es una adaptación del Merengue de República Dominicana, por la similitud de estos dos ritmos. El origen de su nombre proviene de los negros “muscrengues” introducidos al valle de Upar, Sus mayores exponentes, fueron Chico Botanos. Octavio Mendoza y Chico Sarmiento. En cuanto a sus letras describen situaciones vividas por el compositor y casi siempre compuestos para el jolgorio. El Son es un aire que ya casi no se escucha. Es et ritmo más lento de todos. Algunos dicen que proviene del Son cubano aunque rítmicamente no tienen relación. Así como la gaita fue el instrumento autóctono de la Puya y el Merengue, la guitarra española jugo un papel fundamental en el Son y el Paseo, La época dorada de los sones fue de 1920 a 1950 y sus intérpretes más destacados son Lorenzo Morales, Pacho Raday y Alejandro Durán, El Paseo esta hermanado con los payadores ya que cantadores de Paseo son compositores espontáneos que en la mayoría de los casos no saben leer ni escribir. El Paseo toma su nombre del hecho de danzar como si se paseara y es más lento que la Puya y el Merengue, pero es más rápido que el Son. Hoy en día los Vallenatos se componen y se graban con un solo fin: para que se vendan. Y aunque las parrandas, las serenatas y los concursos no han dejado de exista estos eventos ya no son la razón por los cuales nacen los vallenatos. Es por eso que con el afán de captar mayores mercados, hoy en día se incorporaron instrumentos extraños para esta clase de música: batería, sintetizadores y guitarras eléctricas. Aunque como toda música debe evolucionar, es importante conservar sus raíces como sus ritmos y sus letras, si no llegará el momento en que se tendrá una música tocada con otros instrumentos acompañando al acordeón, al que llamarán Vallenato y que poco tendrá que ver con esta música autóctona colombiana.

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Hawaiana

La contribución musical de Hawai en EEUU no tiene proporción directa al pequeño tamaño del Estado del Pacífico. Los estilos como el Slack Key Guitar o el Slide Guitar, son conocidos mundialmente. La gente hawaiana ha habitado las islas por siglos conservando la mayor parte de la tradición musical. Su música, en gran medida, es de naturaleza religiosa e incluye el canto (mele) y el baile (hula). A través de ellos podían expresar alabanzas, comunicar la mitología y acompañar juegos, festividades y otros acontecimientos seculares. El canto generalmente se acompaña de un Ipu Heke (tambor de calabaza doble); Pahu (tambor cubierto con piel de tiburón); Ili Ili (castañuelas de lava desgastada); Pu’li (palos de bambú); Kala’au (palos de ritmo); etc. La historia de la música hawaiana puede dividirse en varios períodos desde la llegada de los europeos a la actualidad. El primero va de 1820 a 1870. el siguiente, hasta 1900, en el que se produjo un aculturamiento del estilo hawaiano, mientras los instrumentos occidentales se extendieron por las islas. El tercer período abarca de 1900 a 1915, en el que se creó el estilo Hapa Haole, que utilizaba elementos superficiales de la música autóctona y se cantaba en inglés, lo que le permitió integrarse a la música norteamericana popular. A partir de 1906 empezaron las primeras grabaciones. De 1915 a 1930 creció notablemente el público que gustaba de las canciones hawaianas. El siguiente período, que va de 1930 a 1960, es conocido como la Edad de Oro cuando músicos como Lami McIntire y Sun Hoopii se hicieron estrellas mundiales. En los años 60esta música perdió popularidad ante el avance del Rock y el Pop norteamericanos. Esta tendencia se revirtió en el período final de la historia de la música hawaiana. El período moderno comenzó en los 70 con la aparición de gran variedad de grupos de Rock, Hip Hop, y principalmente, el Jawaian, versión local del Reggae. La música folklórica hawaiana es muy simple en su melodía, pero muy rica en su poesía. Los dos tipos de canto tradicionales son el Mele Oli (canciones a Capella), y el Mele Ula (música de baile hecha en grupo). Las guitarras podrían haber llegado a Hawai de varias fuentes diferentes: marineros, misioneros o viajeros. La historia más contada con frecuencia es que la llevaron los vaqueros mexicanos que el rey Kamehameha III contrató en 1832 para enseñar a los habitantes del país cómo controlar una súper población de ganado. Los portugueses introdujeron un instrumento llamado Braguinha, una variante más pequeña del Cavadinho de cuatro cuerdas. Este instrumento es sin duda el precursor del Ukelele. Se cree que en el idioma autóctono Ukelele significa “pulga brincando”, haciendo alusión a la velocidad con que los músicos mueven los dedos al ejecutarlo. Otros creen que la palabra significa “regalo que vino aquí” o una deformación de “Ukeke lele” (bailando con el Ukeke, un arco de tres cuerdas). La guitarra Slack Key (Ki Ho’alu), es una creación hawaiana. Simplemente aflojaron las cuerdas obteniendo una afinación diferente a la occidental. Esta invención cambió el curso de la guitarra en Hawai, originando dos estilos de guitarra: el Slack Key y el Slide. Hasta los años 60, el estilo Slack Key, era un secreto familiar que se transmitía de generación en generación. Con el renacimiento hawaiano, músicos como Leonard Kwan, Raymond Kane y Keola Beamer compartieron con el mundo las escalas y las técnicas, salvando al estilo de su extinción. La mayor parte de las canciones Slack son completamente instrumentales. Hacia 1900 Joseph Kekuku deslizó un pedazo de acero por encima y por debajo de las cuerdas de una guitarra Slack. A esta nueva variante se la llamó Slide, y combinada con lírica en inglés, originó el estilo Hapa Haole. Otros músicos empezaron a experimentar con la guitarra Slide, poniéndosela en la falda o en un soporte, es vez de sostenerla del modo habitual. Un par de décadas después el estilo Slide se destacó en el Stand hawaiano de la exposición Pan Pacific Ocean de San Francisco, con bandas tocando en vivo, lo que creó gran sensación. El músico más destacado de este estilo en Hawai fue Benny Nawahi, que tocaba tanto con sus manos como son sus pies. La guitarra Slide ha influenciado a varios estilos norteamericanos como el Jazz, el Ragtime, el Country y el Blues.

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Punk

Durante los años comprendidos entre 1968 y 1976 el Rock’n Roll gozaba de unos momentos de increíble creatividad, originalidad y prestigio. La fórmula del barroquismo, el trabajar y alargar cada vez más las composiciones abrieron las puertas al Rock Progresivo y a la Psicodelia. El tecnicismo y la intelectualidad estaban a la orden del día, los temas eran cada vez más largos y los recitales gigantescos. Esta espiral de perfeccionismo incrementó la distancia entre la producción cultural y la realidad a la que se enfrentaban muchos jóvenes de esa época, lo que comenzó a originar un emergente. Algunos invirtieron el dinero que les daban en las interminables colas de desempleo en una guitarra. En los garages se empezó a escuchar ruido. Los chicos no tenían tiempo ni dinero para aprender lo que la sociedad decía que debía saberse para empuñar un instrumento. Las guitarras se convirtieron en fusiles, tenían mucho que decir y para eso no hacía falta tener una voz privilegiada sino una voz que gritara realidades. Para esa época en EEUU se comenzó a denominar Punk a bandas de jóvenes que imitaban la rítmica de los Stones. En 1970 apareció Fun House, primera entrega de The Stooges, considerado como uno de los primeros LP’s del Punk. Luego surgieron New York Dolls y MC5, dos piezas claves para entender el rompecabezas Punk. Tampoco hay que olvidar a Ramones, un cuarteto de chicos norteamericanos que sentaron las bases musicales para el Punk, demostrándole al mundo que si tenés ganas de algo, hacelo. Estos chicos algo acelerados y con pocos conocimientos musicales, se lanzaron a tocar covers de sus grupos favoritos, pero se dieron cuenta que no eran grandes músicos y que todo lo que tocaban les salía muy rápido, y así, sin querer, le dieron forma musical al Punk. Despreciados en EEUU, los Ramones tuvieron que ser reconocidos en Inglaterra en primer lugar. Y así pasaron los 70, los 80 y los 90, muchas modas y estilos pero Ramones nunca abandonó el Punk ni su clásico Hey Ho Let’s Go. Teniendo estas raíces bastantes claras en Norteamérica, el Punk se desplazó a Inglaterra para engendrar su apogeo en los años siguientes. A finales de 1975 pululaban por Londres una treintena de muchachos que tocaban en bandas de formaciones cambiantes. Allí estaban Swankers (pre Sex Pistols), Ducks de Luxe, The Slits y pocos más. Londres era sacudido por esos días por las incesantes acciones del IRA, y bajo este pretexto, las fuerzas de seguridad ostentaban su poder con toda impunidad. La inseguridad y la recesión económica del 73 provocaron mucha tensión y auténticos polvorines sociales en los barrios obreros y de inmigrantes de la ciudad. 1976 es determinante para todas estas bandas de baja estofa. Los escándalos de Sex Pistols no hicieron sino aumentar el vertiginoso avance del fenómeno Punk. Durante este año se editaron los primeros singles del género en Londres. Para el mes de diciembre se organizó la primera gira de bandas Punk, que era encabezada por los omnipresentes Sex Pistols, acompañados por The Dammed y unos desconocidos The Clash. Los resultados fueron muy poco alentadores, ya que de 20 conciertos programados, 16 fueron cancelados. Los temores por parte de los dueños de las salas no hicieron sino aumentar el volumen del fenómeno. Londres en 1977 era una total y absoluta explosión. Parece ser que sólo en esa ciudad se formaron más de 300 bandas de características comunes. El nihilismo, la despreocupación y la simple provocación es la principal seña de identidad. El sistema se encargó de reubicar a todos. Algunos siguieron marginados, otros debieron empezar a ganar dinero con la música, otros siguieron el camino de sus padres. Los 80 ya estaban a la vuelta de la esquina y la mayoría de las bandas del 77 desaparecieron sin apenas grabar un par de singles. Las más afortunadas encararon sus ritmos hacia otros más beneficiosos o novedosos… The Clash editó Sandinista, que poco tiene que ver con el Punk. Sex Pistols se disolvió y Syd Vicious murió. La New Wave y el Revival penetraron en Inglaterra y se cerró una etapa. Lo cierto es que el Punk no nació como una moda sino que creó espacios donde no los había y gritó cosas que se callaban. El Punk es acción y reacción y es también el mejor ejemplo que cuando hay algo que decir son más efectivos un micrófono y una guitarra que un casco y un fusil.

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Mbalax


El Mbalax es un género de música africana popular que se desarrolló en Senegal, principalmente por grupos de la etnia Wolof, quienes dominan Dakar, la capital del país. El Mbalax es sin duda la música senegalesa más conocida, gracias principalmente a Youssou N’Dour, a quienes muchas personas lo consideran su creador aunque no existe ningún registro de ello. Hoy en día es el artista senegalés de mayor renombre en la escena internacional junto con Kimbé Ian, Alioune Mbaye N’Der, Lenzo Diamono y Vivian N’Dour. En Gewel, la lengua del pueblo Wolof, Mbalax literalmente quiere decir acompañamiento. En el pasado sólo los Griots (jefes de las tribus), podían realizar ésta música. Su papel tradicional transmitía la historia oral, genealogías y clasificaciones sociales, diplomacia y la narración. Hoy los Griots siguen participando en las ceremonias como bodas y entierros. La música es realizada usando instrumentos tradicionales como los distintos tipos de tambores como Balafón, Tama y Sabar; además de otros instrumentos senegaleses (Djembé, Kessing-Kessing). Hoy en día se mezclan con los europeos, como guitarra, violín, piano, trompeta, bajo y sintetizadores. Además de la instrumentación, el canto puede ser en francés o inglés, y en muchas ocasiones, los estribillos en Gewel. La lírica de las canciones gira en torno a las cuestiones sociales, religiosas, familiares o morales. El Mbalax ha ido evolucionando en distintos estilos, como la Salsa Mbalax, que mezcla música de Cuba y Senegal y cuyo precursor es Laba Socé, quien ha sido seguido por grupos Africando, Super Cayor o Sabador. El Rap también tomó partido originando el Rap Mbalax con grupos como Positive Black Soul. Desde que se hizo popular ésta música como su baile, se han extendido a otros países como Mali, Costa de Marfil y Francia, gracias a las grabaciones y a los video clips. Durante los años 60 el primer presidente de Senegal, Leopold Senghor, trabajó mucho para quitarse la obsesión nacional por las cosas extranjeras y revivificar la cultura autóctona descuidada, todo bajo la bandera de la “negritude”, o la identidad negra. El Mbalax surgió a comienzo de la década del 70 cuando dos mundos culturales chocaron. Uno era el dominio de músicos de la capital Dakar, conocida por su estilo cosmopolita, en la que eran muy populares la música afrocubana, el Jazz, Rock, Funk y el Pop francés. La otra fuerza era el resurgimiento de la cultura africana tradicional, que incluía a los tambores Sabar, cuyos más grandes maestros eran Dudou Njié Rose y Omar Thiam. Hay un baile asociado con la música que no tiene una técnica específica, pero hay movimientos que les son propios. El baile se apoya en el sonido polifónico de la música. El baile es hecho por objetivos religiosos y culturales, así como la satisfacción personal. Puede ser hecho en cualquier reunión como bodas, ritos de paso a la adultez y nacimientos. Los movimientos varían de acuerdo a la edad y el sexo. Los hombres y las mujeres, en general, bailan individualmente, pero en algunas oportunidades, lo hacen en parejas. Uno de los ritmos de danza más populares es el Kaolack, que es la espina dorsal rítmica del Mbalax. En los últimos años se han incorporado nuevos ritmos como el Baar Mbaye y el Lembel que es más rápido. Patrick Tang, autor de “Los maestros del Sabar”, describe un poco a un nuevo tipo de danza conocida como Ventilateur, en el que los movimientos de las nalgas femeninas se arremolinan sugestivamente; otra danza es el Xag Bi (el perro), en el cual el bailarín levanta su pierna imitando a un perro; y más recientemente, el Jelkati, un baile en el cual los brazos, doblados en los codos, se mueven de izquierda a derecha. El Kaolack incorpora giros pélvicos y movimientos de rodillas. Las mujeres mueven principalmente la cintura y caderas, mientras los hombres mueven brazos y piernas. Nacido en los años 60 el Mbalax está en perpetua evolución. Conoció diversas formas con la aparición, en los 70, de Wato Sita; Soleya Mama; André Lô y el grupo parisino West African Cosmos. En los 80 Thione Seck, Ismael Lô, Kiné Lam y Youssou N’Dour, internacionalizaron ésta música. Con la década del 90 y el nuevo siglo aparecieron nuevos talentos como Alioune Kassé, Jeque Lô, Fatou Gewel o Vivian N’Dour.

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